Anoche, lúnes 26 de noviembre de 2012, en la sede del Consulado de Argentina en Barcelona se realizó la presentación oficial del libro “El Príncipe Pito” del escritor argentino Pablo Perel.

En la Sala Silvina Ocampo de este Consulado,  junto a la grata presencia del Cónsul de Argentina, Andrés Mangiarotti, se congregó una nutrida platea compuesta en su mayoría por argentinos residentes en Barcelona así como por catalanes, para asistir a la presentación de la fábula filosófica titulada “El Príncipe Pito”, una divertida nouvelle que encierra múltiples niveles de lectura en sus amenas 118 páginas, también ilustradas por el autor. Esta obra se publica en Barcelona antes que en Argentina y otros países por iniciativa de la Editorial “Alrevés”.

M24Digital tuvo el agrado de asistir  al cálido y animado acto, el cual fue conducido por el editor titular de “Alrevés”, Josep Forment, quien presentó a  Perel y su alocución que recorrió algunos de los diversos estamentos narrativos, eróticos, místicos y filosóficos que aborda en el texto. El escritor también dedicó un capítulo de su exposición a mencionar con alegría la situación de plena libertad de expresión que se goza hoy en la Argentina y a la que también alude la intención concretada en este libro.

Si bien “El Príncipe Pito” cuestiona los dictados filosóficos de “El Principito” de Saint-Exupéry, Pablo Perel se explayó sobre los alcances de estos cuestionamientos, que lejos de ensañarse con el célebre texto del escritor francés, pretende sincerar una voz actual sin preconceptos ni contradicciones edulcoradas.

El Príncipe Pito

Editorial Arevés. Barcelona.

2012 – 118 p.

por Pablo Perel

17 de marzo de 2012: Una propuesta lanzada al ciberespacio invitando a los fans de la saga “Star Wars” (La Guerra de las Galaxias) del director George Lucas, a enviar clips de producción casera de 15 segundos de duración siguiendo el guión de la película “Star Wars – Episodio IV”, puede parecer un juego para adolescentes que no tienen muchas obligaciones que cumplir, y probablemente el mundo adulto no la tome muy en serio, pero cuando el propio creador y propietario de los derechos, George Lucas, autoriza este procedimiento, cuyo resultado es un largometraje de 124 minutos de duración, y es visto hasta ahora por cerca de 3 millones de espectadores, los adultos comienzan a sospechar que el dibujo de lo que parecía un sombrero puede ser en realidad el de una boa que se tragó un elefante, parafraseando a Saint-Exupéry.

La noticia dio la vuelta al planeta en enero: el video titulado “Star Wars Uncut: Director’s Cut” superó el millón de espectadores en 72 horas y en Vimeo ya alcanzaba los 300.000 visionados. En este momento, en YouTube la película lleva 2.288.255 pasadas y en Vimeo, varios cientos de miles.

La aventura comenzó en 2009, cuando Casey Pugh invitó a miles de usuarios de Internet a realizar una remake de la película “Star Wars: A New Hope” (La Guerra de las Galaxias: Una Nueva Esperanza) como una obra de aficionados, enviando clips de 15 segundos de duración. Tal fue el aluvión de aportes de fanáticos de la saga, que esta iniciativa se hizo acreedora en 2010 de un Premio Emmy en la categoría Logro Creativo Sobresaliente en Medios Interactivos.

La película incluye desde animaciones elementales hasta actuaciones en vivo, las más dispares y disparatadas puestas en escena, y los efectos especiales más estrambóticos, de acuerdo a la imaginación y a los recursos de cada fan, y se puede ver completa y gratis aquí: http://www.youtube.com/watch?v=7ezeYJUz-84

En la nota de la semana pasada traté el crowd funding como una forma voluntaria y colectiva de financiar proyectos cinematográficos y artísticos en general. En este artículo, a través del ejemplo de “Star Wars Uncut”, estoy incursionando en el crowdsourcing, una forma de cooperación colectiva interactiva en la realización de un proyecto específico, con o sin fines de lucro.

El crowdsourcing nace como un asunto bastante serio: un problema o una tarea deben ser resueltas y la consigna se distribuye entre participantes desconocidos que aportan sus respuestas. Se diferencia del habitual “outsourcing” en que en éste se terceriza la resolución de un problema o la realización de una tarea a una o contadas fuentes conocidas, en base a una contratación, mientras que en el crowdsourcing la propuesta se lanza en forma mucho más indiscriminada, masiva y anónima, y se basa en reglas y condiciones que necesariamente deben ser muy claras. Siendo rigurosos en la definición, cualquier pregunta realizada a una multitud o a un grupo indefinido de personas constituye un crowdsourcing, y bien podríamos señalar su origen en los numerosos cuentos de hadas en los que un rey difunde a los cuatro vientos la búsqueda de un candidato para contraer nupcias con su hija, la princesa, o los consejeros de la corona difunden la búsqueda de un remedio para el monarca agonizante. Del mismo modo, los antecedentes históricos del crowdsourcing brindaban algún premio o recompensa, como los Premios Montyon de Francia para quienes llevaran a cabo acciones loables o el premio británico “The Longitud Prize” para quienes aportaran una forma sencilla de medir la longitud de un barco. También el Diccionario Inglés Oxford ofrecía a los lectores la posibilidad de aportar al inventario de palabras en inglés con sus respectivos ejemplos de uso; propuesta que mantuvo a lo largo de 70 años y recibió más de 6 millones de colaboraciones. Al igual que sucedió con el crowd funding, el surgimiento de Internet potenció de forma inesperada y magnificada las posibilidades del crowdsourcing. Uno de los ejemplos más populares en el presente es Wikipedia, una enciclopedia universal construida mediante aportes de los cibernautas y reglas muy específicas que guían la forma de incorporación de entradas.

Retornando a “La Guerra de las Galaxias Sin Cortes” y sus millones de apasionados espectadores, no sería nada extraño que este procedimiento vaya ganando un lugar en la industria cinematográfica y las películas comiencen a incluir segmentos realizados por la misma audiencia a la que están destinados los films, tal como ya sucedió en algunos intentos en los que el público proponía un final, pero esta vez de manera mucho más activa, con los espectadores filmando, dirigiendo, actuando y todo lo que se les pueda ocurrir.

Para concluir, una novedad en la que confluyen los dos conceptos tratados en estas notas: crowd funding y crowdsourcing: la empresa 20th. Century Fox y el autor, director, actor, productor y escritor de comics Joss Whedon (creador de “Buffy, la cazavampiros” y muchas más) autorizaron a los fans de la serie de cowboys del espacio “Firefly”, a construir entre todos (crowdsourcing) y financiar entre todos (crowd funding) una película realizada exclusivamente por el público. Como sucedió ya en el rock y en otras artes, tal vez llegó la hora en que los directores nos sentemos en las butacas para ver lo que los espectadores tienen para mostrar y decir.

El principio es muy simple: aplicándolo al cine, por ejemplo, sería algo así como invitar a un futuro espectador a que pague su entrada antes de que la película se filme, permitiendo así reunir los fondos necesarios para la producción. Si bien este tipo de recolección de fondos tiene su origen en las colectas de caridad, el surgimiento de Internet renueva su sentido, su alcance y la rapidez en lograr resultados.

La pionera en esta utilización de Internet como herramienta de financiamiento fue la banda de rock Marillion, al lograr que sus fans de EEUU financiaran completamente una gira transoceánica mediante donaciones, y desde entonces, a través de este recurso solventaron  la producción de varios álbumes e inclusive lograron con el mismo método figurar en el libro Guinness con el record mundial del DVD más velozmente agotado, grabando un concierto, editándolo en pocas horas y entregándolo al mismo publico del concierto, que ya había pagado y esperó pacientemente a la salida del show. Aunque hace ya 15 años que esta forma de financiar proyectos existe y es popularmente  frecuentada en los países centrales,  el tema cobra vigencia en este momento ante las declaraciones de dos directores suizos, el debutante Philippe Weibel y Sebastian Michael, que coincidieron en presentar casi al mismo tiempo sus films, cada uno el suyo, financiados a través de crowd funding. También coincidieron en afirmar en entrevistas que les resulta más provechoso solicitar el adelanto de dinero al público y beberse unas cuantas botellas de vino en lugar de pasarse fatigosas semanas de pesadilla  preparando el fárrago de papelerío y documentación que requieren los subsidios federales suizos, agregando que las veces que completaron ese pesado trámite, tampoco les otorgaron subsidio alguno. Michael menciona en su relato que la idea de “Fund-A-Frame” (financie un fotograma), surgió en el Festival de Locarno. Es un sistema que ofrece como recompensa a cada donante, un fotograma del film, debidamente dedicado y autografiado por el director.

por Pablo Perel.

El reciente premio Oscar a la mejor película lo ganó “El Artista”, un film mudo, en blanco y negro, de época, y encima con guión, director y protagonista no-norteamericanos; es decir: todos y cada uno de los elementos que los expertos dirían que hay que escaparles como a la peste. Primero que nada esto demuestra que la industria del cine no tiene límites inamovibles, por más que se trate del cine de Hollywood, cine Mainstream, cine del Establishment, cine comercial, cine pochoclero, o como gusten llamarlo. ¿Se convertirá esto en tendencia o fue sólo una golondrina que no hizo primavera? Por las dudas, en Argentina tenemos desde hace años a un pionero de esta corriente: Tetsuo Lumiere.

Finalizaba la década de los años ’80, cuando en Buenos Aires, el Centro Cultural Ricardo Rojas se establecía ya como una fértil huerta donde cultivar habilidades y talentos. Los nombres de Sosa Pujato, Batato Barea y tantos otros que hoy son míticos, eran nuestras presencias cotidianas, casi compañeros de juegos. No se hacían grandes discursos sobre la cultura; se producía cultura. Pero claro, no todo era admirable ni excelso; también había mucha pose, mucho snobismo y superficialidad en torno a lo que sí era verdadero. No era difícil separar la paja del trigo, pero sí era poco menos que imposible lograr que lo superficial se pusiera al nivel de lo profundo, eso honesto y valioso que estaba al alcance de la mano de cualquiera. También había que tener cuenta que recién estaba comenzando una primavera democrática tras unos cuantos años de haberle descolgado el teléfono al resto del mundo. Se instalaban como vanguardia, tendencia, moditas y corrientes, ciertos hechos culturales malamente importados del exterior, con años de atraso, cuando ya habían fenecido y sido superados, sin haber sido siquiera entendidos en su contexto y sin darles la menor chance de encontrar un sustrato genuino en la cultura real de los argentinos. Era la urgencia por recuperar el tiempo perdido, eran los resabios de los tiempos de la dictadura, cuando en Londres surgía el punk como una manifestación política, ideológica, vomitada sobre el sistema, y aquí era publicado en la insípida revista dominical de un matutino autodenominado “gran”, y que hablaba de “la moda punk”, reduciendo todo un cuerpo de ideas, arte y toma de posiciones, a una torerita y unos cinturones de cuero negro con tachas, sólo para mujeres, por supuesto.

por Pablo Perel

24 de Febrero de 2012:A pocas horas de la ceremonia de entrega de los premios Oscar de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood, en la que se revelarán los ganadores en cada categoría, la incógnita más interesante se plantea en el premio a la Mejor Película en Idioma No-inglés. Muchos observadores ven en la resolución de este interrogante, una toma de posición de la comunidad cinematográfica acerca de cómo se desarrollará la política internacional de Estados Unidos en lo que resta del año.

Si bien todo cineasta, al igual que cualquier artista, soñó alguna vez con que una obra de arte tiene la capacidad de cambiar el mundo y modificar el rumbo de la historia, esa idea se debilita ni bien el artista comienza a madurar y se inserta en el mundo real de su especialidad. El poder transformador de la realidad que ejerce el arte es más un fenómeno colectivo que está signado por períodos de la historia antes que un efecto causado por una obra o un artista en particular. Volviendo al cine, escuchamos con frecuencia que a determinados films se les asigna a nivel individual un extraordinario poder, afirmando que “tal película me cambió la vida”. Sin embargo, hay ciertos hechos históricos que quedan ligados a algunos títulos cinematográficos, con mayor o menor consenso. Por ejemplo, quedo establecido como un hito clásico entre los analistas del cine, que existe una íntima relación entre el film “Casablanca” y la entrada de Estados Unidos a la Segunda Guerra Mundial.

En la madrugada del 27 de febrero, la lista de ganadores de los Oscar será muy cercana a lo que hoy podemos ya contar como una historia previsible con final anunciado. En cada categoría puede presentarse a lo sumo una permutación entre el primer y el segundo candidato considerados invencibles. En lo concreto, los pronósticos otorgan el lugar de ganadora como Mejor Película a “The Artist”, aunque con un 30% de posibilidades de un vuelco a último momento a favor de “The Help”. Como Mejor Director, el oráculo señala a Michel Hazanavicius (The Artist) con alguna chance de sorpresa final a favor de Martin Scorsese (Hugo), Mejor Guión Original, está casi prometido a Woody Allen (Midnight in Paris), pero también con una ficha puesta en Michel Hazanavicius (The Artist), Mejor Guión Adaptado tiene como favoritos a Nat Faxon, Alexander Payne & Jim Rash (The Descendants) y quienes les pueden arruinar la fiesta sobre la hora son Aaron Sorkin, Steven Zaillian & Stan Chervin  (Moneyball).

En la categoría que más expectativas suele crear entre los que habitamos la “otra” parte del mundo, Mejor Película en Lengua No-inglesa, es donde se cuecen más habas, las implicaciones son totalmente diferentes y las consecuencias son más delicadas. Los países representados por nominaciones son Bélgica, Canadá, Irán, Israel y Polonia, una linda panorámica del mundo exterior a Hollywood a no ser por un gran ausente: el idioma español. Muchas voces se alzaron lamentando la no-inclusión del film “Miss Bala” (México) al que el sitio Rotten Tomatoes le asigna un saludable 89%, película que se sumerge en la violenta guerra que está conmocionando y transformando a México. La gran favorita en este rubro es la película iraní, “A Separation” (Nader y Simin, Una Separación), primer film iraní ganador del reciente Oso de Oro en Berlín, ganadora también del Golden Globe como Mejor Película Extranjera y unos cuantos primeros premios más, comenzando por su propio territorio, con Mejor Película y otros seis premios en el Fajr Film Festival de Irán.

Hay mucho para hablar de este film, y también mucho relacionado con su próximo destino en los premios Oscar. La sorpresa de último momento que podría arrebatarle el título es la polaca “In Darkness”, que transita temas narrativos más habituales para la Academia de Hollywood. Al igual que como sucedió el año pasado, cuando los pronósticos aseguraban como ganadora a “Un Profeta” y la sorpresa –alegre para nosotros- fue que resultó ganadora “El Secreto de Sus Ojos”. La coincidencia más llamativa es que tanto en la dupla de posibles premiados de este año como en la de 2011, la empresa distribuidora de los films es la misma –Sony Pictures Classic- o sea que con o sin enroque, la sangre no llegaría al río en términos de balance corporativo.

Si gana el Oscar “A Separation” del Asghar Farhadi seguramente se va a entender un mensaje muy claro desde los votantes de la Academia; no solamente que esta obra tan premiada, que fue censurada en medio de la producción por declaraciones del director /guionista y luego rehabilitada, que ganó en su propio país el favor de crítica y público, que expone con riqueza y honestidad la compleja situación reinante hoy en Irán, que nos recuerda al clásico histórico “Rashomon” en ciertos elementos de su estructura narrativa, y no sólo que en el fragor de competencia del cine 3D y de fastuosos efectos digitales, este film hecho con simple maestría, recursos técnicos nada novedosos tecnológicamente, y financiada con 25.000 dólares otorgados por el Fondo APSA de la Motion Pictures Association, harían que esta película logre un justo galardón, sino que el mensaje sería también el más querido y esperado por todos: un mundo en paz.

Columnista:Pablo Perel

17 de febrero de 2012:     En la nota publicada hace dos semanas (ver El Cine Siempre Paga) nos preguntamos desde el punto de vista de los productores cinematográficos, si el cine es un buen negocio o si eso sólo vale para los grandes estudios de Hollywood. En este artículo intentaremos aproximarnos a una respuesta desde el punto de vista de los exhibidores, dueños, programadores y administradores de salas cinematográficas.

Para ubicarnos en el mapa de “los cineros” en Argentina debemos comenzar por conocer las diferentes categorías en que se desenvuelven. A primera vista vemos cuatro “tamaños” diferentes de cines: la primera categoría está integrada por los complejos cinematográficos, o cadenas de complejos, que son propiedad de corporaciones, con gran capacidad económica de inversión y con acceso a los títulos de mayor taquilla, lo que les permite realizar estrenos simultáneos en decenas de pantallas y garantizarse la prioridad para exhibir los ‘tanques’, éxitos de Hollywood que llegan con un importante andamiaje publicitario y promocional; la segunda categoría contiene a las cadenas más pequeñas y salas independientes, llamadas también “cines de arte”, que privilegian el acceso a producciones de mayor valor artístico pero menor o nulo aparato de marketing, y que en ocasiones tratan de balancear sus cuentas echando mano con segunda prioridad y estreno tardío a producciones hollywoodenses o europeas que suman a su potencia comercial algunos valores artísticos; en tercer lugar se encuentran los Espacios INCAA que desde el estado les facilitan el estreno a películas argentinas y abarcando el territorio nacional, al mismo tiempo que ofrecen entradas a valores  inferiores a los privados; y finalmente encontramos una cantidad creciente de pequeñas salas y ciclos organizados en teatros, museos, centros culturales, espacios comunitarios y demás, algunos de manera formal y otros informalmente e incluso a veces sin siquiera respetar los derechos de productores y autores, y que en el volumen total ya representan un número de butacas que no se debería desestimar.

De estos cuatro grupos, a lo largo de los años hemos visto nacer y crecer a tres de ellos, mientras que uno se encuentra en franca decadencia, atravesando hace años una crisis que ya se hizo crónica y que empeora día a día. Se trata del segundo grupo, las salas independientes y pequeñas cadenas de “art-houses”. En tanto los extremos del espectro tienen quien los proteja, los independientes han quedado sumidos en el más penoso desamparo. Las cadenas de complejos cuentan con el soporte de anchas espaldas de sus corporaciones y de las distribuidoras hollywoodenses; los Espacios INCAA no dependen de las recaudaciones sino del impulso y desarrollo que les brinde el estado, y los pequeños exhibidores institucionales, formales e informales, no tienen gran cosa que perder.

Un claro y reciente ejemplo de esto ocurrió el pasado lunes 6 de febrero, en la ceremonia de entrega de premios FIPRESCI Argentina. El galardón a la mejor película extranjera fue otorgado a “Morir como un hombre”, de João P. Rodrigues. El premio fue recibido por la empresa que distribuyó la película en Argentina: 791 Cine. Al subir a recibir el premio, Claudina Morgulis en representación de la distribuidora, anunció con contundente elegancia el cierre de la compañía. El motivo fue resumido en una sola frase: “Cerramos porque fracasamos”, pero los argumentos que sustentaron esa decisión fueron demoledores: a lo largo de siete años, 791 Cine lanzó al mercado local una cincuentena de películas de autor de todo el mundo, incluyendo argentinas, con directores del calibre de Lars Von Trier, Richard Linklater, Asia Argento, Anahí Berneri, Marco Berger y muchos más. Estos films intentaron incursionar en las salas cinematográficas, pero los más que insuficientes resultados los llevaron a saltar directamente a ediciones en DVD. El resultado: bajadas ilegales, copias inescrupulosas por parte de piratas y hasta de algunos videoclubes. Y 791 Cine no es la única empresa que ha decidido retirarse o que está tambaleando empecinadamente.

Si los distribuidores de cine de arte y cine independiente corren esa suerte, no será muy diferente la de los exhibidores que quieran dedicar sus pantallas a ese cine. Tanto distribuidores como exhibidores han caído en la misma trampa: la concurrencia de una centena de miles de espectadores en sólo 10 días al BAFICI, el festival de cine independiente de Buenos Aires, que hace pensar en la existencia de un público que el resto del año también desea y elije ese tipo de cine. Y puede ser que lo elija; lo que no parece es que esté dispuesto a pagar por él. Si es cierto que el público siempre tiene razón, entonces el cine independiente debe dejar de existir, pero si deja de existir, ese mismo público que le da la espalda es el que va a salir a protestar.

Entonces, para concluir, retorno a la pregunta original: ¿Es negocio tener un cine?

La respuesta es: si usted va a invertir en un cine digital en serio, con capacidad 3D, butacas anchas, mesitas para beber y comer, servicio de catering y gourmet durante la función, canastos de pochoclo a la venta, y se asegura los estrenos de los ‘tanques’ de Hollywood en su pantalla, entonces sí, abra una cuenta de banco bien grande con total tranquilidad, pero si lo que a usted le interesa es reproducir todos los días la ceremonia de ver buen cine de grandes autores, las nuevas producciones, en la oscuridad de una tradicional sala de cine, entonces usted es un verdadero amante del cine y tiene alma de mecenas. Que Dios y el Cine lo bendigan.

Columnista:  Pablo Perel.

Al comenzar la tarde del 8 de febrero pasado, Luis Alberto Spinetta paró el mundo, pero no para bajarse sino que lo hizo en el sentido que le daba a esta frase el brujo yaqui Don Juan Matus, el que Carlos Castaneda presentó y que el mismo Spinetta hizo conocer a mucha gente.

Y es inevitable para mí escribir hoy sobre Spinetta en esta nota editorial semanal dedicada al mundo audiovisual, porque Luis Alberto marcó con su presencia incandescente, su talento sublime y su amistad generosa, momentos claves en mi trayecto por las delgadas autopistas de la imagen en movimiento y el sonido sincrónico.

Luis Spinetta fue, es, un artista cosmonauta. Mientras las estrellas del espectáculo buscan ser queridos por el público, en el caso de Luis, era el público quien deseaba ser amado por él, casi exigiendo una correspondencia con el alud de afecto muchas veces apasionado que la gente le consagraba. Y Luis los amó, prodigándose en poesía, música, voz, palabras, dibujos, risas y hasta en acciones silenciosas e invisibles. Las veces que me tocó caminar las calles junto a él, pude comprobar casi a cada paso que sus fans no se acercaban solamente a demostrar su admiración; exigían amor como se le exige a un amante, de ida y vuelta y de uno a uno.

Lo conocí siendo yo un temprano adolescente con las piernas temblorosas, alucinado con los Beatles, ‘Busco Mi Destino’ y un novato con mi cámara de cine filmado en 8mm. -aún no había Súper 8- cuando me animé a subir al escenario donde Almendra acababa de presentar su primer Long Play, el de la tapa del Hombre de la Lágrima, llevándome su autógrafo y algunas frases tartamudeadas. Pasaron diez años de más frases y escenarios hasta que una tarde, en una prueba de sonido que hacía Milton Nascimento en el Estadio Obras, se nos acercó Luis Alberto a Jorge Pistocchi y a mí, a anunciarnos el obsequio de un equipo profesional portátil de video U-Matic para nuestro incipiente Centro Experimental de Video del Expreso Imaginario. Era el año 1978, con todo lo que eso implica.

De esa cámara y mochila de video ¾ de pulgada surgieron mil piruetas, malabares y aprendizajes, algunos personajes hoy históricos protagonizando argumentos estrambóticos garrapateados en una caja de pizza o simplemente estando, siendo quienes eran delante de la cámara. Hablábamos de John Lennon, Andy Warhol y un planeta contaminado.

Pasaron más años, viajes, exilios y universidades. Recién llegados de distintas coordenadas del mundo exterior, ya cineastas y videastas, junto a Ralph Rothschild nos volvimos a embarcar en una nueva travesía. Spinetta nos recibió en su casa y los tres comenzamos a dibujar en el aire el guión de un largometraje que hablaría del Cosmos Spinetteano, embriagados con las imágenes de la serie homónima de Carl Sagan.

Durante el rodaje, entre toma y toma pasábamos horas conversando. Luis siempre estaba dispuesto a que hablemos de Física –carrera de la que yo venía- y del artista gráfico M.C. Escher, a quien él me encontraba parecido y con cuyo apellido me bautizó un tiempo. De esas jornadas extensísimas nació el largometraje que se iba a llamar en un principio “Spinetta, el largo” y que finalmente quedó plasmado como “Spinetta, el video”. Esta película me hizo acreedor de una de las mayores condecoraciones que recibí en mi vida; Luis Spinetta me dijo: “Vos fuiste el que me hizo ver llorar al Hombre de la Lágrima”. Era el año 1986.

Queda como anécdota que “Spinetta, el Video” fue la primera película argentina producida en video que se exhibió públicamente por una vez vendiendo entradas oficiales del INCAA, entonces Instituto Nacional de Cine, cuando sólo accedían a ello los films en 35 mm.

El sábado 11 de febrero a las 20.00 hs. el canal de TV digital INCAA TV emitirá el largometraje “Spinetta, el Video” como homenaje a Luis Alberto Spinetta.

En mi nota de la semana anterior en M24 Digital, cité un verso de Luis Alberto. (ver “El Cine siempre paga”). El 8 de febrero supe que no fui yo quien la escribió, sino que un mensaje sutil imposible de descifrar en el momento, presagiaba que en esa fecha el tiempo se detendría y que Luis Spinetta, el largo, pararía el mundo.

03 de febrero de 2012:

Esto es lo que yo y mucha gente nos preguntamos a diario, parafraseando la conocida frase de “El crimen siempre paga” –aparentemente más antigua que Chandler, al que se le atribuye la autoría. ¿El cine siempre paga? ¿Es un buen negocio el cine o eso vale sólo para los grandes estudios de Hollywood?

 De las tres instancias de la industria cinematográfica –Producción, Distribución y Exhibición-, la pregunta acerca de la rentabilidad del cine no-hollywoodense se realiza en dos foros diferentes: el de Producción y el de Exhibición, y de manera diferente en cada caso; para los productores la pregunta es: “¿Se puede ganar dinero haciendo una película?” en tanto que los exhibidores se cuestionan: “¿Es negocio tener un cine?”.

Para los productores hay un cúmulo de experiencia histórica disponible, aunque resulta lamentable que una gran cantidad de ellos la ignoran o le dan la espalda, sobre todo en los casos de los más noveles, aunque esto sea independiente de la edad biológica, pero también en muchos casos el desconocimiento se da por ego manía o por miopía ideológica. Como escribió y cantó el gran Luis Alberto Spinetta en su tema “Estado de Coma”: Lo que está y no se usa, nos fulminará.

Hay una regla de mercado que, sí, proviene de Hollywood, como tantas otras cosas, y que se remonta a los primeros años que sucedieron a la caída del Star System, o lo que es lo mismo, al surgimiento de la televisión. Esta regla de más de medio siglo de edad, es aplicable a cualquier cinematografía y a cualquier mercado cinematográfico del mundo, y fue y sigue siendo comprobada y ratificada año tras año. La regla dice: “De cada 10 films que se estrenan, 5 pierden, 3 empatan y 2 ganan.” Así de contundente y así de simple: la mitad de las películas que se producen y llegan a las salas cinematográficas –que no son todas- no llega a recuperar la inversión, un tercio logra recuperar lo invertido pero no deja ganancias y una quinta parte resulta buen negocio. El hecho más destacable de los centenares de conclusiones que podemos aprender de esta regla, es que ese 20% de films que dan ganancias, generan suficiente dinero como para compensar al otro 80% que no cumplió con las expectativas comerciales de los productores.

 Una de los hechos que más me llama la atención a lo largo de los años es que cuando menciono esta regla tan antigua y que no es ningún secreto en la profesión, ante aulas o grupos de realizadores y productores, miran con los ojos abiertos de par en par y toman nota febrilmente como si les estuviera revelando la ubicación exacta del Santo Grial. Lo que no me llama la atención es que una vez sabida esta ecuación, es equivalente a poseer la Fórmula Áurea del negocio de la producción. La regla enseña algo muy simple, al menos en el terreno conceptual: hay que producir las películas de a diez, y así es virtualmente infalible ganar.

Claro, llevando lo planteado al terreno práctico y al cine independiente, todos sabemos lo extraordinariamente difícil que resulta conseguir la financiación para una sola película, con o sin subsidios. Entonces, ¿cómo vengo yo a plantear siquiera que hay que producir de a diez films? Es aquí donde debemos dejar reposar un rato la inteligencia ego maníaca y poner en funcionamiento la inteligencia colectiva. Si diez productores reunieran sus esfuerzos individuales para conseguir fondos para producir cada uno su película aislada, se asociaran y aunaran esfuerzos desde la financiación misma de los desarrollos de proyectos, no sólo reducirían significativamente sus costos de producción, sino que en una misma acción garantizarían cumplir la regla de oro de las ganancias en el cine y esto sí sonaría convincente a los oídos de inversores, fondos, bancos y compañías de seguros. Hollywood no hace nada muy diferente.

Queda pendiente la segunda pregunta, la de los exhibidores, si es buen negocio poseer una sala cinematográfica. Prometo tratarlo en una próxima nota. Pero al menos, hasta aquí, los productores ya son poseedores del Secreto del Santo Grial. Esperemos que sepan llegar a él.

por Pablo Perel.

27 de enero de 2012: Cuando se habla de Los Beatles como un fenómeno artístico y comercial que cambió la música popular de medio planeta, se suele mencionar como factor decisivo una legislación que se promulgó en ese momento en Inglaterra y que obligó a las radios a emitir un 50% de música local. En poco tiempo el mundo entero marcaba el ritmo al son del beat y del pop británicos. Pero a nadie se le ocurrió decir que esa ley había sido un “apriete” a las empresas musicales y emisoras radiales.

De igual manera, cuando tras la Segunda Guerra Mundial, países como Italia y Francia legislaron que la mayor parte de lo recaudado en sus salas de cine locales por películas de Hollywood, debía permanecer en el país en que fueron vendidas las entradas, ningún empresario salió a decir que lo estaban “apretando” sino que por el contrario, a causa de esta medida los estudios de Hollywood debieron invertir sus ganancias en el país huésped y gracias a ello surgieron laboratorios enormes y muy célebres, como Technicolor de Italia, grandes estudios de cine y producciones cinematográficas que hoy son films clásicos bellos, inobjetables y patrimonio de la cultura universal.

Sin embargo, cuando el Secretario de Comercio Interior de Argentina cita a productores y distribuidores para señalarles la necesidad de, al menos, compensar la balanza de importaciones y exportaciones de Cine y TV, algunos se rasgan las vestiduras y dicen haber sido “apretados”, en lugar de pensar que el Estado Argentino subsidia producciones con las que los empresarios pueden abrir una nueva y próspera línea de negocios internacionales.

En cualquier rama de la producción, un Estado puede subsidiar parcial o totalmente una actividad, sus insumos, mano de obra, costos o brindar beneficios tributarios con el fin de aumentar la competitividad en el mercado internacional. Una buena parte del cine y la TV que se producen en Argentina reciben subsidios estatales, pero no con el fin de reducir precios sino para fomentar que exista una producción y que ésta no sólo satisfaga las necesidades del mercado interno sino que también se pueda exportar.

Otra notable particularidad de los subsidios audiovisuales del Estado Argentino es que en el caso del cine, los fondos de estos subsidios salen de la propia actividad, proviniendo de los impuestos que generan las exhibiciones y emisiones de cine en el país. Es decir, no se quitan recursos de otras áreas sino que la autarquía del INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales) le permite disponer de aquello que recauda.

Si no existieran estos subsidios, los distribuidores y agentes de ventas se verían obligados a invertir en pre-ventas, adelantos de distribución y financiamiento de producción para contar con películas para vender. Si bien existen producciones que no apelan a estos subsidios, son una minoría y sus presupuestos de producción y distribución son tan magros que sólo logran ingresar tímidamente al mercado internacional en base a puro esfuerzo personal, simpatías personales y una alta dosis de fe, pero la mayor parte de la producción de cine argentino y la totalidad de producciones de la TV Digital Argentina son posibles merced a estos subsidios.

Aquí es donde no se entiende la queja de los empresarios locales. Por supuesto que es mucho más fácil dedicarse a llenar salas de cine locales con los éxitos ya consagrados de Hollywood y alrededores, recibiendo todo resuelto, desde la película hasta las diversas piezas de marketing, arte gráfica y material de prensa, pero esto es también renunciar de cuajo a la mitad de una actividad comercial que incluye tanto a las importaciones como a las exportaciones.

Los ejemplos que dictan los mayores centros de producción, así como los que la misma Argentina disfrutó en su “época de oro y teléfonos blancos”, sumada a la ola de telenovelas y series infanto-juveniles de la última década del Siglo XX y la primera del Siglo XXI, demostraron que la rentabilidad de una producción se define ciertamente en el mercado externo. Por esta razón, deberían ser los productores de Cine y TV los primeros en “apretar” a distribuidores y agentes de venta para que ofrezcan con eficacia sus producciones en el exterior.

Por supuesto que no se trata de soplar y hacer botellas ni de llenar una valija de DVD’s y tomarse un avión al primer mercado audiovisual que figura en el almanaque. La venta internacional es una profesión en sí misma; diría que es el nivel cuaternario de la industria audiovisual, el que más conocimientos requiere. Por este motivo se debe apelar al saber y la experiencia de los escasos profesionales de la especialidad y no enviar improvisados a pasear por los glamorosos pasillos de Cannes, Biarritz o Guadalajara.

Se dice que Dios aprieta pero no ahorca. Y a Dios le agradecemos todos los días. La industria audiovisual debería hacer lo mismo con Guillermo Moreno y todos los funcionarios que insisten en que los empresarios audiovisuales acepten esta oportunidad que se les ofrece como regalo.

Por Pablo Perel

20 de Enero de 2012:  Sin entrar en detalles, hay dos clases de salas de cine, las que exhiben películas comerciales ó ‘mainstream’ de los grandes estudios de Hollywood, y las que ofrecen películas del mal llamado cine independiente. Las primeras, con importantes ingresos de boletería, pueden afrontar la inversión necesaria para acceder a la conversión a Cine Digital; para las independientes, por ahora es sólo una quimera.

En valores internacionales, la inversión necesaria para convertir una sala cinematográfica que proyecta películas 35 mm. en una sala de Cine Digital, implica una erogación de unos 150.000 dólares para el proyector DC más otros 50.000 a 75.000 dólares para servidor, pantalla plateada y accesorios. Para una sala de un complejo multiplex comercial, este monto equivale a los ingresos de unas cuantas semanas a sala llena, pero para una sala de cine independiente no alcanzaría un año completo de éxito sostenido para financiarlo.

Hasta ahora, mientras muchos veían que el cine 3D y el cine digital eran opciones sólo pensadas desde la caja registradora de las boleterías, vendiendo entradas bastante más caras para ver robots gigantes, explosiones viscerales y superhéroes de historieta que dejan abiertas las bocas repletas de pochoclo de los adolescentes, algunos directores indiscutiblemente considerados artistas serios del cine, como Wim Wenders, Martin Scorsese Werner Herzog ó Baz Luhrmann, supieron aprovechar y enfatizar las bondades del mundo digital para darles a sus films una nueva dimensión en el tratamiento espacial y visual.

Se supone que las películas de ficción y documentales de estos y otros directores independientes no van a ser estrenadas en cientos de salas simultáneas por el sólo hecho de estar filmadas en 3D; y también sabemos que no serán muchas las salas de cine de arte que vayan a estar convertidas a digital. Entonces, ¿cuál será la opción para el público? Verlas “aplanadas” en salas de arte convencionales o peor aún, en copias legales o no, en DVD, Blu Ray, VOD o en un streaming de Internet. No va a ser éste un gran estímulo para las audiencias independientes, y menos aún sabiendo que se trata precisamente del público más exigente y discriminante, que pretende estar lo más cerca posible de la experiencia audiovisual original que propuso el autor de cada película.

A las categorías de cine comercial y cine independiente, a nivel local se agrega el cine argentino subsidiado por el Estado, que juega con reglas totalmente diferentes. Así como los subsidios alcanzan a la producción de cada película, también podrán cubrir en el futuro cercano los costos de conversión de las salas destinadas a este cine. En ese caso, subsistirán, más allá de que se filmen en 3D o no, que se proyecten o no y que el público elija verlas o no, salvo que el día menos pensado a un productor cinematográfico se le ocurra salir a decir que así como renuncia a los subsidios por los servicios de electricidad y gas, también renunciaría a estos otros.

Pero hay un cine argentino que de hecho renuncia o no accede a los subsidios estatales. Estas producciones –aisladas, por cierto- se emparentan en su destino con los films independientes que llegan del exterior, como los de los mencionados Wenders, Herzog o Scorsese. Para esta clase de producciones se avizora un futuro incierto: si se filman en 3D, se podrán mostrar poco y nada en ese formato, y si no se producen y distribuyen en 3D ó Digital Cinema, quedan marginados de lo que brinda la tecnología del momento y despojados de los recursos que ésta les aportaría.

Difícilmente esta disyuntiva se solucione enseguida, pero lo que parece aún más difícil es que los cineastas y productores de cine independiente bajen los brazos con facilidad. Precisamente son ellos los que más resisten y luchan, los que encuentran casi siempre todas las condiciones en contra, pero también esta vez son los que están demostrando que la tecnología digital en el cine puede ser usada para algo más que un mero show de circo.

Por Pablo Perel

14 de Enero de 2012: El jueves 19 de enero comienza el Festival de Cine Sundance y con este acontecimiento se inicia un recorrido mundial de suma importancia, tanto para los profesionales de la actividad como para el público amante de las películas bien proyectadas en una sala cinematográfica.

Hasta el domingo 29 se desarrollará en Park City de Utah, EEUU, y otras localidades, este festival que desde 1978, cada enero toma distancia del poderoso Hollywood para brindarle un lugar digno al cine independiente de todo el mundo y en especial para la tarea de descubrir nuevos talentos de la industria fílmica. En el Sundance se exhibirán 200 películas seleccionadas de entre más de 9.000 títulos presentados. Este año también se han escogido otras nueve ciudades importantes a lo largo y ancho del territorio estadounidense para que el día jueves 26 se presente en cada ciudad un director de cine con un film, lo exhiba, dicte una conferencia acerca de su obra y la discuta con el público; una excelente idea cuando se tiene una concepción verdaderamente federal de un hecho cultural.

Así comienza esta larga peregrinación anual que cineastas y cinéfilos recorren por distintos continentes. Si bien hay millares de festivales de cine en todo el planeta a lo largo de un año calendario, algunos de ellos sobresalen como hitos esenciales o al menos lugares de paso obligatorio. Para tener una idea de cómo continúa esta agenda de viajes, veamos cuáles son algunos de los más próximos:

Del 25 de enero al 5 de febrero, el Festival Internacional de Cine de Rotterdam, Holanda, al que asisten más de 350.000 espectadores. Este festival no sólo es un punto de encuentro para entendidos sino que además suele ser el sitio donde numerosos directores y productores encuentran una autopista asfaltada y veloz para financiar sus proyectos.

Del 9 al 19 de febrero, el Festival Internacional de Cine de Berlín, Alemania, también conocido como “la Berlinale”. En la ciudad de Berlín se darán cita concurrentes de más 115 países, celebrándolo como uno de los más célebres y glamorosos festivales de cine, con sus 10 secciones que dan lugar a películas de alto impacto al igual que al cine experimental, de vanguardia y joven.

Del 2 al 12 de marzo, el Festival Internacional de Cine de Guadalajara, México, un acontecimiento clave para el cine latinoamericano y una excelente oportunidad de negocios que se brinda en el Mercado de Industria para que la cinematografía de nuestra patria grande llegue a las pantallas del mundo, generando un número creciente de espectadores y de divisas.

Del 21 de marzo al 15 de abril, el Festival Internacional de Cine de Hong Kong, China, en el que se esperan más de 600.000 espectadores. Este acontecimiento se ha ido convirtiendo en uno de los mayores festivales del mundo, con 330 títulos provenientes de 50 países, y acercando las culturas de Lejano Oriente y de Occidente.

Volvemos a Buenos Aires, Argentina, del 11 al 22 de Abril para asistir al BAFICI, Festival de Cine Independiente de Buenos Aires, con una asistencia cercana a los 300.000 espectadores ansiosos por ver estrenos de todo el mundo, con especial énfasis en el cine argentino y latinoamericano.

Y llegamos al Rey de los Festivales, del 16 al 27 de mayo, el Festival de Cannes, Francia, celebración tradicional por excelencia del cine mundial junto a las encantadoras playas de la Riviera francesa, con sus famosísimas secciones y su opulento mercado, el Marché du Films, también padrino de la versión argentina de mercado internacional Ventana Sur, que tendrá lugar en los primeros días de diciembre de este año.

Con el aumento del precio de los pasajes de subterráneo en la ciudad de Buenos Aires, deberíamos contemplar que quizás ya no haya tanta diferencia entre viajar todos los días por las vías porteñas o recorrer el mundo disfrutando de lo mejor del arte cinematográfico.

 Pablo Perel

07 de Enero de 2012: La semana del cambio de año nos sorprende con noticias y reflexiones en el mundo audiovisual, y todas ellas nos remiten a una idea superior y profunda: la irreversibilidad del paso del tiempo.

La primera noticia de esta saga fue el día 24 de diciembre, que nos comunicó el fallecimiento de la mona Chita, a los 80 años de edad y a causa de una insuficiencia renal. La actriz simia debutó con gran éxito a comienzos de la década del ’30 en una película de Tarzán. Sus graciosas apariciones se extendieron más tarde en la serie de TV del mismo nombre, protagonizada por Johnny Weissmuller. Esta noticia bien podría sugerir el fin de una era.

Cuatro días más tarde nos llega la lista de 25 películas que la Biblioteca del Congreso de EEUU ha escogido mediante voto popular para que sean restauradas y preservadas como un tesoro cultural. Entre los títulos cinematográficos seleccionados se encuentran “Bambi” de Walt Disney, “El Pibe” de Charles Chaplin, “The Lost Weekend” de Billy Wilder, hasta más recientes como “Forrest Gump” y “El Silencio de los Inocentes”, abarcando un espectro temporal que va desde 1912 hasta 1994. Tal vez lo más llamativo de la nómina es la aparición de “El Mariachi”, el largometraje de Robert Rodriguez en idioma español y que según cuenta la leyenda, el costo de producción no superó los nueve mil dólares, demostrando que no fueron los alardes de presupuestos millonarios lo que marcó la preferencia del público votante.
La consagración de objetos con el rango de piezas de museo se asemeja bastante a la partida de defunción de un ser vivo.

Coronando este vertiginoso transcurrir por hitos del tiempo, llega hace pocas horas la noticia de la presentación por parte de la firma LG, del televisor más grande del mundo, un panel de Ultra Definición (UD) con pantalla de 84 pulgadas y resolución cuatro veces superior al Full HD (High Definition). Ésta no es la única novedad; utilizando la plataforma Android, se tendrá acceso al ámbito de Google TV, lo que implica poder ver videos 3D mejorado y ser operado con un control remoto que lee señas, movimientos, gestos e instrucciones escritas en un teclado convencional. Se denomina Magic Remote.

Este arco del tiempo que se traza entre las noticas mencionadas parece enfatizar la sensación de que el pasado ya pasó y nunca volverá, y que hasta lo considerado más moderno, como el Full HD, resulta tan efímero como una golondrina en el cielo de la primavera.

En el ámbito nacional específicamente, se anuncian para el año 2012, dos remakes cinematográficas: “La Guerra Gaucha”, que será dirigida por Norman Ruiz, y “Más Allá del Olvido”, a ser dirigida por Fernando Spiner, creador de la reciente “Aballay”. Estos dos anuncios coinciden plenamente con lo expuesto anteriormente. Si bien la remake de una película se sostiene en pautas comerciales (ya que el título está en la mente de los espectadores desde antes de iniciar la difusión del film, y que muchos querrán ver y comparar las versiones pasadas y presentes), también el hecho de producir una nueva versión de una película célebre de antaño, coloca a la versión original en el lugar definitivo de las cosas muertas, como piezas de museo.

Quienes deseen ver las versiones primigenias, pueden hacerlo gratuitamente en YouTube:
“La Guerra Gaucha” en 7 partes, y  “Más Allá del Olvido” en 7 partes.

Hay mucho que decir de cada una de estas películas, y ya lo haremos. Mientras tanto, y tal vez aún sugestionados con el comienzo de este año signado por el final de la cuenta del calendario maya, debemos imponernos como nunca antes, el refrán: “Lo pasado, pisado”.

Pablo Perel

31 de diciembre de 2011: En la actividad cinematográfica tanto como entre los espectadores, la palabra “digital” parece ser una bolsa de supermercado en la que pueden colocarse muchas cosas diversas; para algunos es una forma de producción que pasa más por computadoras y software que por cámaras y lentes, para otros es un soporte de distribución ligado a un sistema de proyección, pero para todos la “Era Digital” está entre nosotros y sus novedades son cada vez menos novedosas.

En la década de los 70, el especialista en teoría cinematográfica Christian Metz escribió: “La mayor parte de las películas filmadas hoy, buenas o malas, originales o no, comerciales o no, muestran como característica en común que narran una historia; en este sentido todas pertenecen a un mismo único género, que deberíamos llamar súper-género.” El progreso tecnológico y de mercado nos trata de impresionar temporada tras temporada con lanzamientos de nuevas formas de hacer y de ver cine, pero se sabe que cuando la palabra “revolucionario” es dicha por segunda vez, ya significa “ortodoxia”, y no vemos ningún indicio de avance desde lo que postulara Metz hace casi cuatro décadas.

A partir de que los humanos prehistóricos estampaban las marcas de sus manos cubiertas de pigmentos en las paredes de cavernas hasta el cine del presente, la idea primigenia no ha cambiado demasiado: de imprimir la marca de una mano real sobre la roca a imprimir una imagen real con una cámara sobre una película sensible, y de allí a generar en computadoras y capturar movimientos de actores para componer imágenes que asombran por su denodado intento de semejarse cada vez más a la realidad, el concepto sigue siendo idéntico. Todas las posibilidades que ofrecen las computadoras, los programas, la captura de movimientos y demás artilugios, no fueron capaces de dar el menor salto desde el realismo a la abstracción, a la búsqueda de nuevos horizontes visuales ni sonoros.

Uno de los factores primordiales que imposibilitan tales hallazgos en las pantallas de los cines es el doble discurso con que el establishment nos presenta el cine digital: por un lado nos dicen que nunca fue más fácil que ahora hacer cine, con cámaras a precios accesibles, soportes regrabables y almacenables hasta la eternidad, y sistemas de edición que se pueden operar desde una notebook hogareña, y por otro lado nos encontramos con una muralla de dificilísimo acceso a las pantallas cinematográficas masivas, signado por un requisito no verbalizado pero real de costos de producción y distribución multimillonarios para llegar a figurar en las carteleras internacionales.

Repetidas veces nos llama la atención la ausencia contemporánea de obras de maestros y artistas como Fellini, Kurosawa, Visconti, Buñuel, pero es difícil creer que la humanidad dejó de producir talentos como esos. Aún con la popularización de la enseñanza académica de cine, dictando en universidades carreras que tradicionalmente deberían pertenecer a Escuelas de Arte, nivelando para abajo y supliendo talento con títulos y diplomas impresos a ritmo de best-seller, la ley de probabilidades nos hace pensar que tales mentes brillantes deben haber estado naciendo en diversos puntos del planeta. El hecho es que si Fellini o Kurosawa tuvieran hoy entre 20 y 60 años de edad, sería virtualmente imposible que sus films accedieran a una distribución mundial y a lograr el favor y el fervor de audiencias masivas. A lo sumo descollarían en uno que otro festival, a los que solo acuden cinéfilos y profesionales.

Éste es el mundo cinematográfico que parece depararnos entonces el 2012, más de lo mismo, más producciones de abultadísimos presupuestos, más historias recicladas, más éxitos de antaño pasados a formato digital para verlos con una nueva nitidez, y no mucho más. Sin embargo no perdemos la esperanza; ni el fin del cine ni el fin del mundo están a la vista. De las profecías apocalípticas de los calendarios mayas, sólo sabemos que lo que se terminó fueron los mayas.

por Pablo Perel.

El 2011 fue un año bastante activo para la exhibición local del cine argentino, con varios títulos que llamaron la atención de crítica y público, pero con algunas divergencias de criterios, afinidades y gustos en el balance de lo mejor del año.

En el año 2004 se volvió a crear la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Argentina, cuya existencia había sido interrumpida por decreto en el año 1955 por el gobierno de facto de ese entonces. Cualquier semejanza con el nombre de “la otra” Academia, el AMPAS (Academy of Motion Picture Arts and Sciences) ó sencillamente ‘la Academia’ de Hollywood, es algo más que una coincidencia. De hecho, una de las tareas más públicamente conocidas de la Academia Argentina es la elección del film que representará a nuestro país en la competencia anual por el premio Oscar (otorgado por el AMPAS de Hollywood) en el rubro “películas en idioma extranjero”.

Otra de las actividades públicamente notorias de la Academia es el otorgamiento de los Premios Sur, que anualmente les son concedidos en diferentes rubros a los profesionales y películas más votados por los 240 miembros académicos actuales. Está establecido que en el mes de septiembre de cada año, la Academia se expide en ambas cuestiones: el film que competirá por el Oscar en California y los ganadores de los Premios Sur, a ser entregados en una ceremonia y gala cada diciembre.

Este año se dio a conocer, ya entrada la primavera, el título de la película contendiente por la estatuilla dorada hollywoodense; se trata de “Aballay, el hombre sin miedo”, dirigida por Fernando Spiner. Si bien este western sureño (¿southern?) resulta ser un título muy querido y apreciado por el público y la gente de cine, surgió una polémica respecto de la inclusión en la lista de candidatas a la película “El Estudiante”, dirigida por Santiago Mitre, producción realizada sin apoyo financiero del INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales), (Nacional de Argentina, ¿se entiende? Porque en Hungría tienen la costumbre de llamar ‘Nacional’ a lo húngaro, por ejemplo. – Hago esta aclaración porque M24Digital se lee tanto en Argentina como en otros países).

El asunto es que dos meses más tarde, la misma Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina da a conocer los resultados de las votaciones para los Premios Sur y, oh, sorpresa, la elegida como Mejor Película Argentina de 2011 es “Un Cuento Chino”, dirigida por Sebastián Borenzstein. Como Mejor Ópera Prima se elige a “El Estudiante”, y “Aballay” se lleva ocho (8) premios en diferentes rubros pero sólo uno que remite directamente a la integridad del film, que es el premio al Mejor Director, otorgado a Fernando Spiner.

Aquí es cuando uno baja los brazos, resignándose a no intentar entender más nada. Si no es la mejor película la que se designa para que represente a la Argentina en los Oscar, ¿entonces a cuál? Es un secreto a gritos que la preferida por los críticos de cine es “El Estudiante”, sólo exhibida en dos salas de Buenos Aires, en tanto que la opinión del público general está dividida entre “Aballay” y “Un Cuento Chino”. Lo innegable es que de los tres films, el que lleva la delantera en recaudación es éste último, y con enorme ventaja sobre los otros dos. Con este dato en mente, uno comenzaría a creer que para el Premio Sur primó la boletería y para enviar al Oscar el criterio fue de calidad, pero eso deja injustamente afuera a una de las tres películas, “El Estudiante”, que también tiene todas las de ganar.

En fin, hay tanta confusión en conceptos mucho más elementales que estos, que en lo inmediato desisto de buscar una lógica satisfactoria. De todos modos, la calidad del cine no se mide ni en premios ni en goles, como muchos nos quieren hacer creer.

por Pablo Perel.

Usted se encuentra en su casa, se sienta lo más comodamente posible en un sillón, silla o taburete, o tal vez se recueste en su cama, y enciende el televisor. A partir de ese momento, sin tener plena conciencia de ello y casi sin advertirlo, usted porta en una de sus manos un arma poderosa y despiadada que hace temblar a empresas multimillonarias y a empresarios influyentes y glamorosos: el control remoto.

Desde el preciso instante, medio siglo atrás, en que alguien entendió que las tarifas publicitarias, y por ende los ingresos de un canal privado de TV dependían linealmente de la audiencia que tuviera su pantalla, la actividad televisiva se convirtió en una de las más ferozmente competitivas de la civilización humana; un hecho sólo comparable quizás, a la competencia entre machos mamíferos por ganar la supremacía sobre la manada, llegado el momento de procrear. Estas luchas instintivas se fueron ganando a fuerza de golpes bajos y de trucos sucios de pugilato, más que por haber puesto en práctica técnicas caballerescas. Los resultados de estas contiendas le dieron a la televisión el no poco merecido apelativo de “la caja boba”.

Los canales de televisión pública y las señales de cable TV fueron parcialmente inmunes a esta lucha instintiva, generando producciones inelectualmente más ambiciosas y con mayor respeto hacia la inteligencia del espectador.

Hace pocos días, en el marco del FyMTI (Festival y Mercado de la TV Internacional de Ficción), celebrado en Buenos Aires, nos contaba Charo Calvo, renombrada directiva del grupo Antena 3 de España, que en Europa ha comenzado la decadencia y retirada de los reality shows debido a que el público “ya siente asco de sí mismo al ser espectadores de esa clase de televisión”.

Por otra parte, el domingo pasado un conocido columnista de un centenario matutino porteño publicó una nota en la que vaticinaba el fracaso más rotundo a las producciones resultantes de los concursos de la TV Digital Argentina, basándose en una incongruente ecuación entre rating, mercado internacional y calidad.

No es interesante analizar dicha nota, pero sí observar que mientras una voz afirma que la tendencia de las plateas televisivas es apartarse del atontamiento degradante, la voz del otro augura un futuro desolador a quien se abstenga de producir televisión basura.

El artículo 53 de la ley de Servicios de Comunicación Audiovisual 26.522 habla de promover la “producción de contenidos audiovisuales nacionales para todos los formatos y soportes, facilitando el diálogo, la cooperación y la organización empresarial entre los actores económicos y las instituciones públicas, privadas y académicas, en beneficio de la competitividad”. Aquí aparece la palabra clave del momento: competitividad.

Pareciera que ser competitivo hoy no consiste en ver quién se desnuda más rápido y dice más guarangadas por minuto, sino que el favor del público y de los mercados tiende a inclinarse hacia popuestas más enriquecedoras.. Es verdad que a las producciones de la TV digital les falta tiempo de maduración y crecmiento, son apenas recién nacidas, pero más cierto aún es que la gente se ve cada vez menos representada por los que se exhiben adentro de una caja boba.

por Pablo Perel.

por Pablo Perel:

En las tradicionales películas de piratas que solíamos ver por TV, nunca faltaba la batalla en alta mar en la que el galeón de los filibusteros era inconfundible por su bandera negra con una calavera y dos fémures blancos, en tanto que el barco adversario que disparaba sus baterías de cañones no mostraba muy claramente si sus intenciones eran hacer cumplir la ley o apropiarse del botín de los corsarios.

En la vida real de este fin de año de 2011, el galeón al que apuntan los cañones se llama Cuevana y es claramente un sitio web que de alguna forma y en base a algún modelo de negocios, se beneficia conectando a los usuarios con Cyberlockers (servicios que almacenan archivos a los que se accede por intermedio de un link, tales como Megaupload, Rapidshare, etc.),  en los que se encuentran films subidos por otros usuarios. Hasta aquí hay un hecho definido, que la justicia definirá si es penable o simplemente es el aprovechamiento de una fisura en las leyes, pero que por cierto facilitan el acceso del público a materiales privados de los que sus facilitadores no son propietarios.

El asunto dudoso es la bandera que flamea en el palo mayor del galeón que les está abriendo fuego. Tras una comentada y luego desmentida demanda de Telefé contra Cuevana, aparecen dos demandas judiciales concretas realizadas por HBO en el Juzgado de Instrucción 36, y por Imagen Satelital ante el Juzgado Nacional en lo Civil N° 1. Por lo que se sabe, ambas demandas mencionan lesiones a los derechos otorgados por la ley 11.723 de Propiedad Intelectual.

Se entiende que la ley invocada está destinada a proteger el Derecho de Autor en la Argentina, o sea, a proteger los intereses morales, artísticos y materiales de los guionistas, directores y compositores musicales involucrados en cada producción. Estos derechos deben ser defendidos por las denominadas Sociedades de Gestión, Argentores, DAC y Sadaic, que representan los intereses de los autores en cada rama del arte-industria. Pero resulta que los demandantes no son estas sociedades de gestión sino empresas privadas que son propietarias o en su mayoría licenciatarias del producto audiovisual, que es la película o la serie específicas sin incluir los derechos autorales, que son propiedad de los autores y sólo de ellos.

Al mismo tiempo, sabemos de reclamos que provienen de autores de guiones, que no reciben en absoluto o sólo reciben magras compensaciones por sus derechos provenientes de la exhibición, reproducción, comercialización y/o licenciamiento de las obras de las que son autores. También los autores denuncian que no reciben un céntimo por las ventas al exterior de formatos de sus propias obras. El formato de una obra audiovisual suele incluir el título, los guiones, diseños de escenografía y vestuario, y el know-how de producción que llevó al éxito local a la producción en referencia.

 Hay mucho humo sobre el agua, como dice el tema de Deep Purple, se escuchan los atronadores cañones y no se entiende muy bien en nombre de qué está dando batalla la embarcación atacante ni a quién representa la bandera que flamea en su mástil.

Por Pablo Perel

La primavera de 2011 ha aumentado sensiblemente su temperatura en las últimas semanas, para la actividad de la industria audiovisual local.  Hasta hace menos de una década, Argentina era un territorio yermo y desolado, aislado del resto del planeta, en lo que a mercados inernacionales de Cine y TV se refiere, exceptuando algún ave pasajera que surcaba nuestro cielo sin siquiera detenerse. Largos años de soledad, desamparo y reclamos parecen haber llegado a su fin cuando vemos los calendarios y agendas de los profesionales de la imagen en movimiento colmadas de efervescencia, expectativas y negocios.

Culminando dos años de crecimiento exponencial de participación de las Industrias Culturales argentinas en Rondas de Negcios, pitchings y presentaciones de proyectos, en manifestaciones como las Rondas de Berazategui Córdoba y Buenos Aires, o el mega-evento MICA, impulsados por ProArgentina, el Miinisterio de Industria y la Secretaría de Cultura de la Nación, estas semanas de noviembre y diciembre están viendo abrirse de par en par ventanas de mercado para la TV de ficción, el cine, la TV digital federal y las artes audiovisuales.

Los eventos de mercado de Cine y TV consisten en encuentros de compradores y vendedores de todo el mundo, que comercializan aquellas producciones destinadas a las pantallas de cada país  ya sean salas cinematográficas, video hogareño, televisión en todas sus modalidades (TV abierta, cable, satelital, video on demand) e incluso a Internet y telefonía celular. Los mercados tradicionales y establecidos tales como el American Film Market, Marché du Film de Cannes, MIPCOM, MIP, Guadalajara y otros, ven sumarse en estos años a nuevas oportunidades en el Sur del planeta. Se trata de Mercados como Doc Meeting, FYMTI (Festival y Mercado de TV-Ficción Internacional, Expotoons, Ventana Sur y VenTV, que se presentan activos y febriles, algunos ya con cierto camino recorrido, como Ventana Sur en su tercera edición, FYMTI en su segunda aparición anual, más un piloto previo realizado en Punta del Este, o novedosas como VenTV, en su pimera edición.

Mientras que Ventana Sur se encuentra en plena actividad en el presente y VenTV abrirá sus mesas de negocios en pocos días, el 6 de diciembre, otras acaban de finalizar, como el FYMTI. En este último se destacaron relevantes presencias del mundo televisivo empresarial, artístico y federal. También se notaron significativas ausencias, como señaló Eva Piwowarski, Coordinadora general del Programa de Polos Audiovisuales de la TV Digital Argentina, cuando en su alocución en el acto de clausura y entrega de premios hizo notar que algunos grandes productores de la TV local que “creían tener la vaca atada” muestran temor o directamente no se muestran al ver que el Estado Nacional “desata la vaca” y libera el juego a todos los profesionales del medio productivo de televisión, hacendo una clara alusión al modelo inclusivo y plural que la nueva Ley de Servicios Audiovisules ofrece.

En el mercado audiovisual mundial, Argentina ya juega también de local con todas las chances de ganar. La condición para inclinar la balanza a su favor es ahora una sola: la calidad. Vayamos por ella.

Por  Pablo Perel – 25/11/2011

Osvaldo Nemirovsci, Coordinador General del Consejo Asesor de la TV Digital Argentina, presentó su libro “El Desafío Digital en la televisión argentina.”

Tal como nos instruyera Aristóteles hace 2.300 años en su texto La Poética, los narradores audiovisuales, dramáticos y literarios sabemos que sin conflicto no hay historia. Y así describe Osvaldo Nemirovsci con luminosa sencillez, el espacio en que surgela Televisión Digital Argentina en su flamante libro presentado en sociedad el pasado 22 de noviembre. Así, con la mirada de un narrador, les cuento aquí mi lectura.

Bajo el título “El Desafío Digital”, el texto de Nemirovsci nos relata una historia de candente contemporaneidad: el nacimiento y puesta en marcha de la televisión digital en la Argentina. Comoen las buenas historias que los telespectadores ansiamos ver en la pantalla, el autor nos ubica en el primer escenario: el tecnológico, y explica en un lenguaje “apto para todo público” en qué consiste una señal digital de TV, sus alcances y sus diferencias con la ya antigua señal analógica que míticamente surcaba el éter. Continúa el relato presentando un segundo escenario: el social; la forma tradicional en que los mercados introducen las novedades tecnológicas de consumo masivo es lanzándolas en condiciones de precio y accesibilidad sólo permisibles para el vértice superior de la pirámide del poder adquisitivo. Es entonces cuando surge el tercer escenario del relato, el político, que decide quebrar el modelo establecido de accesibilidad minoritaria y define el “Espacio de Conflicto”. Aquí es donde vemos la sonrisa satisfecha de Aristóteles; la historia está planteada y el lector/ espectador está pendiente de la resolución del conflicto. Como toda historia, ésta tiene un héroe que se enfrenta a sus antagonistas blandiendo un recurso salvador:la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual. Como si se tratara dela Excálibur del Rey Arturo, la ley permite quebrar el hechizo de la accesibilidad minoritaria, invirtiendo la pirámide social. El Estado Argentino adquiere más de un millón de  conversores digitales y los destina en comodato a los sectores más vulnerables del tejido social. Este desenlace se presenta igual de festivo y feliz que el de los mejores relatos clásicos que leíamos o que nos narraban en la infancia. Se anticipa ya la escena final en que el pueblo celebra con alegría al mismo tiempo que los anteriores antagonistas, los monopolios, deciden reformarse y sumarse a la felicidad común.

Volviendo a la realidad, “El Desafío Digital” de Nemirovsci es la memoria de un trabajo, de la construcción de una idea, y un relato que mañana será historia. En esta palpitante narración, tanto los espectadores como la comunidad de producción televisiva de todo el país, son hoy los verdaderos protagonistas.